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如克拉克所说，如果“世界的一部分是一个过程，如果这一过程发生在大脑中，并且我们毫不犹豫地承认其为认知过程的一部分，那么世界的这个部分就是……认知过程的一部分”
。
你可以看到这种观点与乐器有着什么样的关系。
如果手指、琴键和声音形成一个单独的网络系统，那么对一位经验丰富的钢琴演奏者来说，这些维度当中的每一个维度都可以替代其他维度。
即便没有乐器、声音——即便钢琴家只是通过指尖感受音乐——仍然可以激活相同的认知回路与过程。
这便是乐器如何能够让你用音乐来思考。
那么，所有这些该如何转变为记谱呢？我们一开始就要区别地来看。
有很多种不同的音乐记谱法，其中之一是奏法谱（tablature）（吉他奏法谱最为常见，但在许多文化中都可以看到奏法谱）。
简单来说，奏法谱的作用就是告诉你该做什么。
世界上最早的奏法谱是中国古琴（图7）的乐谱，它包含有指令性的文字：把你的手指放在那根弦上，按下这里，像这样拨动。
更加现代的奏法谱由符号组成。
吉他的奏法谱使用六根线，因为标准的吉他有六根琴弦，奏法谱便是乐器的示意图。
每根弦都会有数字告诉你，手指应该放在指板的什么位置（0表示空弦，1表示第一品，等等）。
吉他奏法谱最大的优势在于它容易学会：按谱去做就能弹出正确的音。
其缺点则在于它只能用在吉他上：因为每件乐器都不一样，对应的奏法谱也都不一样。
相比之下，五线谱可以用于任何乐器，因为五线谱并不是乐器的示意图，而是声音的示意图。
图7 查阜西（1895—1976）演奏古琴
而五线谱作为示意图的基础是某种关于声音本质的特定假设。
我可以用另一种代表音乐的系统来说明这个观点：MIDI（乐器数字接口）代码，它发明于1982年，用来让合成器和其他由不同厂家生产的设备进行互相联结（在那时，不同厂家都使用各自互不匹配的代码）。
因为MIDI的使用目的有限，是为基于键盘的流行音乐设计的，所以它的代码基本上把所有音乐都当成键盘音乐来处理，它还有一套发声器，可以被单个打开或关掉。
结果，在操纵滑音或是其他两个音之间的连贯变化时，就有很多麻烦。
五线谱和MIDI代码的基本假设是一样的，即所有音乐都由单个的“音”
这一不连贯的个体所构成，“音”
就是音乐中的原子，一个音对应着一个琴键，由一个音符符头来代表。
但在现实中，并非所有的音乐都由这样的不连贯个体构成。
例如，具有高度装饰性风格的南印度歌唱，其外形便是连贯且弯曲的。
人声穿过不同的音高（C、升C、D），在相同意义上，一条图表线穿过不同的数值（1.0、1.5、2.0），但这不像一根弦上的珠子，不是一系列单独的音。
而这一点也或多或少地适用于所有类型的歌唱，以及爵士萨克斯管等乐器表演。
正是在这种意义上，音不像原子，音是一种隐喻性的存在，而不是一种客观存在。
如我所说，它们是隐喻性的物体。
那么记谱法就与更大的音乐价值产生了密切关系，古琴的例子再次印证了这一点。
在现代的古琴奏法谱中，专用于这种乐谱的汉字会指定你如何拨奏出某个音，而这样的汉字有很多——按惯例来说有26个。
（听觉上可以分辨的声音是否真的总计26个？这很难说，也并不完全有意义，因为古琴演奏者认为手的舞蹈姿势与声音同样重要。
）另一方面，正如中世纪圣咏使用的纽姆谱一样，古琴谱完全不标示节奏，只会在乐句之间插入一个小小的圆圈。
很难想象还有任何记谱法比古琴谱更不同于五线谱，它从衔接、音色、揉弦（颤音）等声音维度上涉及拨奏古琴的26种不同方式，而五线谱除了对节奏的详细规定外，几乎完全忽视了这些维度。
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